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Summary

20 Jahre Nirvana - In Utero

20 Jahre Jubiläum für das beste Nirvanaalbum

Künstler: Nirvana
Album: In Utero
Mitglieder: Kurt Cobain, Dave Grohl, Krist Novoselić
Herkunft: Aberdeen, WA, USA
Klingt wie: Grunge Anfang der 90er

Beitrag

Wenn es um die Plattenkritik eines 20-jährigen Albums geht, kommt man nicht daran vorbei, Vergleiche mit der guten alten Zeit und heute zu ziehen. Und auch an dieser Stelle muss dies einfach geschehen, denn vieles war anders im Jahr 1993. Die FDP war ungefährdet im Bundestag vertreten, das russische Parlament wurde beschossen und nicht zu vergessen, das historische Doppelbesteuerungsabkommen zwischen Deutschland und Namibia.

Aber auch musikalisch war einiges in jenem Jahr geboten, denn große Kunst war in den Charts vertreten. So durfte das musikalische Genie Haddaway sich über den ersten Platz in den Single-Jahrescharts erfreuen und auch der Rest dieser Liste liest sich wie das Who is Who einer ordentlichen Trash-Party: Ace of Base, Culture Beat, 2 Unlimited, DJ Bobo usw. - um nur die Besten zu nennen. Aber zum Glück hatte das Jahr 1993 auch etwas Gutes zu bieten. Denn diese Zeit war auch die Ära des Grunge und so gab es vor 20 Jahren die Veröffentlichung des dritten Studioalbums von Nirvana zu feiern.

Konfrontiert mit einem gewaltigen Erwartungsdruck, einen würdigen Nachfolger für Nevermind herauszubringen, engagierte die Band Steve Albini. Albini war Sänger und Gitarrist bei Black Flag, einer von Kurt Cobain sehr geschätzten Band und war zuvor auch Produzent von Surfer Rosa, der Pixies oder Rid of Me von PJ Harvey. Jedoch waren die zwei Wochen, in der die neuen Songs im Studio aufgenommen wurden, eher von einem gespannten Verhältnis zwischen Band und Produzenten gezeichnet. Trotz - oder gerade wegen – der Spannungen, erhielt das neue Album, welches den Arbeitstitel I Hate Myself and I Want to Die trug, eine Rohheit und musikalische Präsenz, die die Chefs des Labels Geffen zu der Aussage bewog, die Rohfassung als unhörbar zu bezeichnen. Aber auch nach dem 21.09.1993, dem Tag als das Album veröffentlicht wurde, gab es darum Probleme. So weigerte sich Wal-Mart das Album in seinen Märkten zu verkaufen. Erst als der Song Rape Me in Waif Me umbenannt und die Rückseite des Album umgestaltet wurde, war die Kette bereit es zu verkaufen. Passenderweise beginnt In Utero mit den viel zitierten Worten „Teenage angst has paid off well“, was eigentlich als Ansage an die ganze damalige Musikindustrie gedacht war. Der weitere Verlauf des Albums besteht dabei, für mich, aus einer Aufeinanderreihung von musikalischen Perlen. Das eben zitierte Anfangszitat stammt aus Serve the Servants, einem Song mit dem man eigentlich das Phänomen Nirvana nicht besser beschreiben könnte. Er handelt von Angst, Scheidung der Eltern, Sexismus und Unverstandensein. Er ist damit autobiographisch, aber auch etwas, womit sich ein Großteil der damaligen Jugend identifizieren konnte. Schließlich war Kurt Cobain ja das Sprachrohr einer ganzen Generation X. Das nächste Stück auf dem Album, Scentless Aprentice ist die experimentelle und aggressive Vertonung des Parfüms von Patrick Süskind (was 1995 dann auch Rammstein umsetzten). Gefolgt von der ersten Single Heart-Shaped Box. Das Video, welches auf einen Traum Cobains beruht, wurde dabei von Anton Corbijn aufgezeichnet und sollte 1994 bei den VMA's mehrere Preise erhalten. Das schon oben erwähnte Rape Me ist das vierte Stück auf dem Album und sollte zugleich auch eine weitere Single sein. Obwohl der Song schon kurz nach Nevermind fertig war, besonders weil er als Antwort auf Smells Like Teen Spirit gedacht war. Er wurde auch schon live gespielt, obwohl sie eigentlich ihre Singles promoten sollten. So auch bei den VMA's. Dort wurde der Band seitens MTV verboten dieses Stück zu spielen, aber sie spielten es dennoch – zumindest die ersten Takte. Frances Farmer Will Have Her Revenge on Seattle, der nächste Titel mit einer wunderbar grundpoppigen Melodie, bezieht sich auf die Schauspielerin Frances Farmer, welche 1943 aufgrund ihrer angeblichen paranoiden Schizophrenie in die Psychiatrie eingeliefert wurde, was aber vielmehr mit ihrer atheistischen und kommunistischen Tendenz zu tun hatte. Dumb wiederum, welches unplugged vielleicht ein bisschen besser klingt, bezieht sich auf den Drogenkonsum Cobains. Very Ape ist eine wunderbar fröhlicher Antisong und Milk It ist ein weiterer experimentell, aggressiver Titel. Weiter geht auf dem Album mit der nächsten Singleauskopplung Pennyroyal Tea. Dieses Stück war der Hauptgrund der Entrückung zwischen Albini und Nirvana. Denn die Band wollte, dass es neu abgemischt wird, womit Albini nicht einverstanden war. Erst auf dem selbstbetitelten Best-Of Album sollte die neu abgemischte Version von Pennyroyal Tea erscheinen. Der nachfolgende Titel Radio Friendly Unit Shifter ist alles Andere als radiofreundlich, besteht er doch zu Anfang zu einem großen Teil eher aus, für viele mit eher mainstreamaffinen Musikgeschmack, Krach, nur um dann mit voller Energie voll einzusteigen,, nur um dann später in einer wunderschön poppigen Bridge zu landen. Das folgende tourette's, das vorher The Eagle Has Landedhieß, mit seinen 1:33 ist das kürzeste Stück auf dem Album, aber auch eines der präsentesten. Das letzte gelistete Stück auf In Utero ist All Apologies. Das letzte offizielle Lied von Nirvana könnte nicht besser gewählt sein. Schon allein weil am Ende die letzte Zeile „All in all is all we are“ 20 mal wiederholt wird. Danach folgt noch eine über 20 minütige Pause, um im Hidden Track „Gallons of Rubbing Alcohol Flow Through the Strip“ zu enden. Dieser wurde als einziger nicht in Minnesota aufgenommen, sondern entstand während eine Jam-Session in Brasilien.

Alles in allem ist das Album In Utero eines der Ausnahmealben in der Musikgeschichte und sollte eigentlich in jedem Plattenregal stehen. Es hat zwar nicht den Einfluss wie sein Vorgänger Nevermind, ist aber in seiner Konsequenz und seiner Bedeutung, insbesondere durch das Aufbrechen der typischen Verse-Chorus-Verse Popstrukturen, ein Meilenstein für alternative Musik. Spätestens jetzt zum 20-jährigen Jubiläum sollte man zugreifen und sich einen besonderen Platz dafür in seiner Wohnung aussuchen.

Anspieltipps: Das komplette Album ist ein einziger Anspieltipp!!!

Mit zerissenen Jeans und Teenage Angst: Tobias Schuhmaier

Zugezogen Maskulin melden sich nach über zwei Jahren eindrucksvoll zurück, viel verändert hat sich nicht. Und das ist auch gut so. Die Wut mit der sie schon auf „Alles Brennt“ rappten, bringen Testo und Grim jetzt auch auf „Alle gegen Alle“ rüber.

Der Titel ist Programm. Im neuen Album wird nahezu jede Gesellschaftsschicht und jedes Milieu Deutschlands und der westlichen Welt thematisiert, von Berlin Mitte über scheinbar kluge Satiriker bis zur ostdeutschen Provinzbevölkerung. Und vor allem deren Gräben. Quasi Alle gegen Alle.

Obwohl sie zwei Jahre an dem Album gearbeitet haben, treffen sie einen Nerv - das Auseinanderdriften der Gesellschaft, ganz besonders das moralische Erheben Einzelner gegenüber der breiten, teilweise abgehängten Masse.

Besonders hervor sticht neben den beiden Vorab-Singles „Alle gegen Alle“ und „Was für eine Zeit“ auch der Track „Yezzy Christ Superstar“. Dieser steht symbolisch für das Leben der heutigen Jugend. Solange das Outfit und der Instagram-Feed stimmen, ist alles ertragbar. Dass die moderne Leistungsgesellschaft auch Opfer hat, thematisieren Zugezogen Maskulin auf „Der müde Tod“. Denn nicht für alle Menschen ist das Leben Friede, Freude, Kunstaustellung.

Musikalisch knüpft „Alle gegen Alle“ beim Vorgänger „Alles Brennt“ an. Genauso impulsiv und frontal präsentiert sich das Klangbett und passt damit bestens zu Testo und Grim. Somit ist bei ihren Konzerten wieder Abriss, Ekstase und Pogo garantiert.

Viel lassen Sie nicht vermissen, außer eventuell eine Radiosingle. Aber wer Untergrund rappt, braucht diese auch nicht. Zugezogen Maskulin schaffen mit der neuen Platte den perfekten Nachfolger zu „Alles Brennt“ und setzen eindrucksvoll ihren Stempel auf das prall gefüllte Deutschrapjahr 2017.

Text: Marcel Kröber

Video

ODESZA (Harrison Mills und Clayton Knight) gelten zurecht als eine der populärsten Gruppen im Bereich der elektronischen Musik und haben den Ruf, ihre Fans auf ihren regelmäßig ausverkauften Live-Konzerten besonders glücklich zu machen.

Harrison Mills und Clayton Knight haben in ihrer noch jungen Karriere bereits eine Grammynominierung sowie goldene Schallplatten für ihre Singles erhalten und bei Spotify und YouTube zusammen über eine halbe Milliarde Plays angehäuft. Mit zwei komplett selbst produzierten Studioalben erschafft das Duo aus Seattle atmosphärische, filmische Musik, die die Grenzen zwischen den Stilen verwischt, in denen sie sich bewegen. Gleichzeitig legen sie aber viel Wert darauf, live auch jene Instrumente zu spielen, die im Studio zum Einsatz kamen, wie es ihre zahlreichen Konzerte bezeugen. Nebenbei schafften sie es sowohl 2015 als auch 2016, jedes ihrer Konzerte auszuverkaufen (nebst Headlinershows auf den größten Festivals weltweit), zuletzt erst bespielten sie die Bühne des knapp 10.000 Plätze fassenden Red Rocks Amphitheaters – gleich zwei Abende hintereinander.

Das neue Album „A Moment Apart“ präsentiert sich gereift; ein Sound, der insbesondere auf Atmosphäre setzt, auf funkelnde Synth-Lines – und auf Gefühle wie Nostalgie, Zuversicht und Hoffnung. Die namhaften Gäste auf dem Album sind u.a. Leon Bridges, Regina Spektor, und RY X. Eklektisch? Aber sicher!

Das Schlussstück des Albums, „Corners Of The Earth (feat. RY X)“, eines der beiden heute bereits veröffentlichten Vorabstücke, baut auf einer schaurigen Gesangsperformance von RY X auf, die sich durch episch-donnernde Low-EndSynthesizer kämpft, während Bläsersätze und Chöre zum Finale in ein wahrhaftes Crescendo hineinsteigern. Der Track verschmilzt so zu einem emotionalen, nahezu filmischen Höhepunkt, ganz nach der geschätzten Produktionsweise von ODESZA.

„Meridian“ ist ein weiterer ODESZA-typischer Track, der mit rhythmisch pulsierenden Drums und kraftvollen Vocals gleichermaßen die subtile Klangverschiebung des Duos hörbar macht, die man womöglich bereits der Covergestaltung abzulesen wusste, die von Harrison Mills und Michelle Gadeken besorgt wurde.

Die 16 Tracks des Albums ergeben ein Gesamtbild und erzählen eine musikalische Geschichte, welche Odesza zu erzählen wissen: diffizil, abwechslungsreich, sphärisch und auf der Reise zwischen Pop und Elektro; feingliedrig und manchmal auch kurz brachial:
Macht euch ein eigenes akustisches Bild, wir können es euch absolut...

In der Musik ist es wie im Weltgeschehen. Findet ein Systemwandel statt, lässt die Gegenrevolte meist nicht lange auf sich warten. Die Zukunft der Musik konnten in den 1980er-Jahren nur Besserverdiener gestalten. Sampling war das Zauberwort der Stunde und wer eine halbe Million Dollar lockermachen konnte, durfte mitsampeln - an inzwischen vollkommen veraltet-bräsigen Maschinen. Die Jugend, seit jeher wichtigster Impulsgeber der Popmusik, durfte keinen Trevor Horn vorweisen, weil sie sich der Produktionsmittel nicht bedienen konnte.

Während des Wechsels ins neue Jahrzehnt roch es förmlich nach Revolution in den Clubs, als DJs die Musik schnelltaktignachhaltig veränderten. Mit einfachen Mitteln: Zündende Ideen, zwei Turntables, ein mittlerweile erschwinglicher Sampler, ein Mikro und eindringliche oder originelle Stimmen. Die Hits kamen wieder aus dem Underground, von schweißgebadeten Fanatikern, die House-Beats mit eigenen kurzen-prägnanten Melodien mischten. Techno-Dance, die Jugend- und Partykultur, deren Ausläufer bis heute andauern, krempelte die Musikwahrnehmung für immer um.

Alex Christensen, DJ erster Stunde - übrigens: lange bevor es USB-Sticks gab! - war tonangebender Mitinitiator der Techno-Dance- und Eurodance-Bewegung. Er ließ erst Deutschland, dann Europa und schließlich die ganze Welt tanzen. Beinahe im Alleingang. Ritmo de la noche, der Sommerhit des Jahres 1990 stammte aus seiner Feder. Danach ging es für den selbsternannten Musikverrückten aus Hamburg Schlag auf Schlag: Die erste Goldene für Ritmo, endlos Anfragen für Produktions-Jobs, jeder Club wollte den DJ von der Elbe als Garant für volle Häuser buchen.

1991 zündete er schließlich einen Knaller ungeahnten Ausmaßes: Das Boot von U96 hielt sich geschlagene 13 Wochen auf #1 der deutschen Singles-Charts, sorgte europaweit für Furore und ebnete der Techno-Szene eigenhändig den Weg in den Mainstream. Alex Christensen wurde allgegenwärtig: BRAVO-Titelbild, Gastrollen in Hollywood-Filmen und in der Marienhof-Serie - das volle Programm. Was zunächst keiner ahnte, ist heute Gewissheit. Der Name Alex Christensen ist zu einem der wenigen beständigen Brandings der internationalen Musikszene geworden.

Die Liste seiner Credits liest sich so lang wie beeindruckend. Er arbeitete mit Udo Lindenberg, Helene Fischer, Söhne Mannheims, Tom Jones, Paul Anka, Sarah Brightman, Mark Wahlberg aka Marky Mark, er saß bei Popstars in der Jury, feierte immer wieder mit eigenen Songs Riesenerfolge (Du hast den schönsten Arsch der Welt) und blieb dabei immer einer, der sich am liebsten hinter den Kulissen verortete. Spricht man heute mit ihm, bezeichnet er sich als "Familienmensch und Musikbesessener, der es nicht sein lassen kann und sich immer wieder selbst herausfordert, neue musikalische Abenteuer auszuprobieren".

Musik fördere bei ihm geradezu kindhaften Spieltrieb, führt er weiter aus. Immer noch. Nach zigtausenden Stunden im Studio, im DJ-Booth, an Analog-Equipment, mit dem mühelos ein Truck zu füllen gewesen wäre. Man glaubt es ihm ungesehen. Seine Range, die Bandbreite an Musikspielweisen, mit denen er der Popmusik seit mittlerweile drei Jahrzehnten Impulse verleiht, ist beispiellos. Dance-Tracks, Balladen, Electronic-Exkursionen, klassische Singer-Songwriter-Projekte, lupenreiner Pop - in der Produktionsweise von Alex Christensen klingt alles, wie es klingen soll, aber nie beliebig. Das bislang außergewöhnlichste Projekt von Alex Christensen, steht nun endlich vor der Vollendung.

Mit ...

Die irisch-amerikanische Folk-Rock-Band Flogging Molly (dt.: peitschende Molly) haben am 2. Juni ihr neues Album "Life Is Good" veröffentlicht. Bekannt sind sie seit ihrer Gründung 1997 durch ihren einmaligen irischen Sound, unterstrichen von Violine, Mandoline und Akkordeon. Das neue Album ist - als Nachfolger von Speed of Darkness (2011) - das nun schon sechste Studioalbum. Nie waren soziales und politisches Bewusstsein mehr im Vordergrund. 

Auf der Platte befinden sich tolle tanzbare Nummern wie The Hand of John L. Sullivan, Welcome to Adamstown oder The Bride Wore Black. Besonders die Verbindung zu ihren Wurzeln lassen sie deutlich spüren. Sehnsuchtsvolle Nummern wie The Last Serenade (Sailors and Fishermen) oder Life Is Good sind auch vorhanden. 

Das Album entführt den Hörer in einen irischen Pub, wo sich Gott und die Welt bis spät in die Nacht bei bester Musik über Dinge austauscht, die die Leute bewegen. Denn darum geht es bei Flogging Molly, dieses Gefühl von irischer Mentalität. Die Songs peitschen nur so die gute Stimmung und Laune voran. 

Sänger Dave King:"In Irland geht man in einen Pub, um sich zu unterhalten. Genau das machen wir jeden Abend auf der Bühne: in den Pub gehen und Geschichten austauschen."

In aller erster Linie sind Flogging Molly allerdings eine noch coolere Liveband, die gerade mit den Broilers und Vollbeat auf Tour ist: 
14. Juli: Dresden - Elbufer (w. Broilers)
15. Juli: Berlin - Wuhlheide (w. Broilers)
30. Juli: Thun - Stockhorn Arena (w. Vollbeat) SCHWEIZ
1. September: Graz - Messe (w. Vollbeat) ÖSTERREICH
3. September: Schweinfurt - Willy Sachs Stadion (w. Vollbeat) 

Video 1

Album Teaser

Mit Hits wie "Waterfalls", "No Scrubs" und "Creep" sowie 65 Millionen verkauften Alben, vier Grammys, Platin- und Diamant-Auszeichnungen, zehn Top-10- und vier Nummer-1Singles gehören TLC bis heute zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Girlgroups aller Zeiten. Das Tomboy-Trio vermengte Rap, R&B und Soul auf ganz eigene Weise, setzte modische Statements, predigte die Selbstermächtigung der Frau und legte in den 90er Jahren schon den Grundstein für die nächste Girlgroup-Generation um Beyonce Knowles und ihre Destiny's Child.

Aber nach dem Lisa "Left Eye" Lopes im Jahr 2002 sieben Monate vor der Veröffentlichung des letzten TLC-Albums "3D" bei einem Autounfall ums Leben kam, wurde es ruhig um die beiden verbliebenen Mitglieder Tionne "T-Boz" Watkins und Rozonda "Chilli" Thomas. Erst 2013 kehrten die beiden zurück auf die Bildfläche, spielten in Japan restlos ausverkaufte Konzerte und erhielten dort für ihr Lebenswerk den MTV Legend Award.

Nach anschließenden Touren in den USA und Australien meldeten TLC sich 2015 schließlich mit einem Spendenaufruf zurück. Mithilfe der Crowdfunding-Plattform Kickstarter sammelte das Duo 430.000 US-Dollar für die Produktion einer neuen Platte. Künstler wie Katy Perry, New Kids on the Block und Justin Timberlake beteiligten sich an der Aktion. Das Ergebnis: "TLC", das erste TLC-Album seit 15 Jahren!

Und gleich der erste Track gibt die Marschrichtung vor. Der Name "No Introduction" ist dabei Programm. Die Sprechchöre, die lautstark "T-L-C!" skandieren, machen deutlich: Nein, diese beiden Damen brauchen garantiert keine Vorstellung mehr. "Way Back" mit Westcoast-Rap-Legende Snoop Dogg lässt im Anschluss Erinnerungen an alte Zeiten wach werden. Ein astreiner Throwback-Track zu dessen Golden-Era-Sound T-Boz und Chilli sich an unbeschwerte Highschool-Partys und das Hören von Michael-]ackson-Alben erinnern - und gleichzeitig die Hochs und Tiefs ihrer Freundschaft zelebrieren.

Auf "TLC" geben sich T-Boz und Chilli so vielseitig wie eh und je. "Scandalous" zieht einen mit nervösen Hi-Hats, brummenden Bässen und hypnotisiernden Synthies auf den Dancefloor, während "Aye MuthaFucka" als zurückgelehnt-selbstbewusster Representer auf Blechbläserbasis daherkommt. Und wenn Left Eye sich im nach ihr benannten Interlude via archivierter Anrufbeantworteraufnahme über einen lockeren Beat zu Wort meldet, dann fühlt es sich für einen ganz kurzen Moment so an, als seien die drei wieder vereint.

Aber TLC blicken nicht nur zurück. "Haters" ist ein echter Pop-Banger.

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