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Summary

Phantogram - Voices

Optische Illusionen fürs Ohr

Künstler: Phantogram
Album: Voices
Mitglieder: Josh Carter, Sarah Barthel
Herkunft: New York, USA
Klingt wie: Gelungene Elektro-Post-Rock Mischung 

 

Seit ein paar Jahren verhilft dieses „Internet“ von dem alle reden, kleinen unbekannten Künstlern zu einem spontanen Bekanntheitsgrad, der sich, nach einer kurzen orgasmischen Explosion, in die dreckigen Tennissocken dieser Welt entlädt. Eines Tages kommt Mutti ins Zimmer und reagiert mit Nase rümpfen auf den gewissenhaft kultivierten Geruch. Diese Einladung wird dankbar angenommen. Das Chaos wird beseitigt und dient gleichermaßen als Anlass herauszufinden ob der Kleine Drogen versteckt hat. Aber genug von meinem verrückten Wochenende.

An der Speerspitze dieses Eintagsfliegenkommandos steht wohl das Genre des Elektropops. Mit moderner Software ist schnell ein Boom-Boom-Chak Wölkchen gepupst und auf Soundcloud veröffentlicht. Der Großteil des gemeinen Elektro-Pops wird wohl in Form von Fahrstuhl-Musik auf dem Klangfriedhof von morgen landen und ich werde keine Träne dabei vergießen.

Ich war also zugegebener Maßen mindestens skeptisch als ich mich oberflächlich mit der Aufmachung von Phantogram beschäftige. Zu meiner Überraschung stellte sich raus, dass ich auch nur ein Mensch bin. Ich werde gern aufrichtig in den Arm genommen und mag meine Cornflakes mit kalter Milch. Und ich habe Vorurteile.

Vorurteile die das Duo aus New York schnell über den Haufen warf. Ihr neues Album „Voices“ ist das erste Werk, das unter Universal auf einem Major Label erschien. Nicht ohne Konsequenz. Vergleicht man es mit früheren Releases ist der Sound technisch sehr erwachsen und klar und trotzdem von aufregender Rohheit. Letztgenannter Aspekt ist augenscheinlich auch der Grund weswegen sie sich  virtuos vom weichgespülten Restmüll unterscheiden. Sie rocken!

 Auf der einen Seite finden sich wirbelnde Gitarrenmelodien, die den Songs einen nostalgischen Post-Rock-Flair verleihen. Diesen gegenüber stehen elektronische Klänge die surren wie eine sexy-schöne Kettensäge und sich abwechseln mit verträumten Elektrobeats.  Ausgefüllt wird der Rahmen von nebulöser Klavierstimmung und dünnen ungekünstelten Vocals, für die Sarah Barthel auf dieser Platte hauptverantwortlich ist.

Der Titel des Albums "Voices"  spiegelt dessen thematische Bandbreite wider. Elf verschiedene Stimmen auf elf verschiedenen Songs die sich formal und inhaltlich deutlich unterscheiden. Eine melancholische Grundstimmung die verschieden vordergründig ist, bildet dabei den roten Faden und hält alle Lieder gefühlt eng beieinander.

Nah am emotionalen Zentrum des Albums bewegt sich Black out Days. Der Text der Strophen zeichnet ein für das Album representativ düsteres Bild.

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 Hide the sun
I will leave your face out of my mind
You should save your eyes
A thousand voices howling in my head

Die minimaistischen Strophen verwandeln sich - wie für das Album typisch -  in orchestrale Refrains die mit einem "Ey ey ey ah" verschmelzen. Mein Großer Zeh wird dabei im Schallloch meines Subwoofers massiert.

Logische Fortsetzung Track Numero Viero ist der unumstrittene Hit der Platte der auf den Namen Fall in Love hört. Nach einem kurzen von Geigen begleitetem Intro setzt ein knatteternder Elektro-Beat so brutal und unerwartet ein, dass mir beim ersten Mal hören ein "Boar krass ey..." über die Lippen rutschte. Das hymnische Acapella drückt die Stimme von Sängerin Sarah Barthel quasi aus den Lautsprechern. Man weiß gar nicht wo man zuerst hinhören soll.

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Die Schonungslosigkeit mit der das Lied nach wenigen Sekunden beginnt, findet sich auch thematisch wieder. Aus einer vermeintlich untypischen Perspektive erzählt der Text die Geschichte vom tragischen Verfall einer Person, die sein Herz an das lyrische Ich abgegeben hat.

Fall in me
I'll let you bleed
'Cause you were fallin', I'm sorry, ah baby
'Cause you were fallin', I'm sorry, ah

Love, it cut a hole into your eyes
You couldn't see you were the car I crashed
Now you're burning alive

Die Bridge bietet Patz für selbstkritische Reflektion die einen kryptischen Einblick ins Innenleben des lyrischen Ichs gewährt.

Babe, the night has swallowed my soul
Could it be that I fell apart, it shows
The lines on my face ate away my smile
Could it be that I fell apart

Wenn die Seele des Angebetenen von der Nacht verschlungen wurde, wird es bekannter Maßen kompliziert

In Celebrating Nothing, dem vorletzten Song, gipfelt der dämmrige Grundton in einem alles in Frage stellenden Nihilismus.

Tell myself I'm fine in celebrating nothing
And all the time I waste on celebrating nothing

How many times can I blow it all
How many times will I burn it down

Give me a reason to stay alive
I've got the feeling we're gonna die
"

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Die monotone Gitarrenmelodie, gespielt von Josh Carter, ist dabei das depressive Sahnehäubchen und kann einen Freitag Abend mit den besten Freunden in einen einsamen Montag Morgen verwandeln. Deshalb der gutgemeinte Hinweis: hört das Album bitte zu Ende.

Wer sich im Schatten des alles euphorisierenden WM-Fiebers eine Überdosis Trauer injizieren will um sich vom Schland-Choral abzugrenzen, dem sei dieses Album wärmstens an Herz gelegt. Davon abgesehen ist Phantogram mit Voices ein hörenswerter Paukenschlag gelungen der mindestens so überwältigend facettenreich ist wie das Niveau der deutschen Fußballnationalmanschaft.

Josh Carter und Sarah Barthel sind zusammen so wunderbar schizophren, dass sie aus ihren intimsten und verworrensten (Selbst)-Gesprächen ein romantisches Mosaik kreieren. Simpel aber nicht trivial; verworren aber nicht undurchschaubar. Ein Rätsel, dem man gern auf den Grund geht.

 

Anspieltipps:

  • Fall in Love
  • Nothing But Trouble
  • The Day You Died

 

"Nihilists! Fuck me." Anar Taki

Zugezogen Maskulin melden sich nach über zwei Jahren eindrucksvoll zurück, viel verändert hat sich nicht. Und das ist auch gut so. Die Wut mit der sie schon auf „Alles Brennt“ rappten, bringen Testo und Grim jetzt auch auf „Alle gegen Alle“ rüber.

Der Titel ist Programm. Im neuen Album wird nahezu jede Gesellschaftsschicht und jedes Milieu Deutschlands und der westlichen Welt thematisiert, von Berlin Mitte über scheinbar kluge Satiriker bis zur ostdeutschen Provinzbevölkerung. Und vor allem deren Gräben. Quasi Alle gegen Alle.

Obwohl sie zwei Jahre an dem Album gearbeitet haben, treffen sie einen Nerv - das Auseinanderdriften der Gesellschaft, ganz besonders das moralische Erheben Einzelner gegenüber der breiten, teilweise abgehängten Masse.

Besonders hervor sticht neben den beiden Vorab-Singles „Alle gegen Alle“ und „Was für eine Zeit“ auch der Track „Yezzy Christ Superstar“. Dieser steht symbolisch für das Leben der heutigen Jugend. Solange das Outfit und der Instagram-Feed stimmen, ist alles ertragbar. Dass die moderne Leistungsgesellschaft auch Opfer hat, thematisieren Zugezogen Maskulin auf „Der müde Tod“. Denn nicht für alle Menschen ist das Leben Friede, Freude, Kunstaustellung.

Musikalisch knüpft „Alle gegen Alle“ beim Vorgänger „Alles Brennt“ an. Genauso impulsiv und frontal präsentiert sich das Klangbett und passt damit bestens zu Testo und Grim. Somit ist bei ihren Konzerten wieder Abriss, Ekstase und Pogo garantiert.

Viel lassen Sie nicht vermissen, außer eventuell eine Radiosingle. Aber wer Untergrund rappt, braucht diese auch nicht. Zugezogen Maskulin schaffen mit der neuen Platte den perfekten Nachfolger zu „Alles Brennt“ und setzen eindrucksvoll ihren Stempel auf das prall gefüllte Deutschrapjahr 2017.

Text: Marcel Kröber

Video

ODESZA (Harrison Mills und Clayton Knight) gelten zurecht als eine der populärsten Gruppen im Bereich der elektronischen Musik und haben den Ruf, ihre Fans auf ihren regelmäßig ausverkauften Live-Konzerten besonders glücklich zu machen.

Harrison Mills und Clayton Knight haben in ihrer noch jungen Karriere bereits eine Grammynominierung sowie goldene Schallplatten für ihre Singles erhalten und bei Spotify und YouTube zusammen über eine halbe Milliarde Plays angehäuft. Mit zwei komplett selbst produzierten Studioalben erschafft das Duo aus Seattle atmosphärische, filmische Musik, die die Grenzen zwischen den Stilen verwischt, in denen sie sich bewegen. Gleichzeitig legen sie aber viel Wert darauf, live auch jene Instrumente zu spielen, die im Studio zum Einsatz kamen, wie es ihre zahlreichen Konzerte bezeugen. Nebenbei schafften sie es sowohl 2015 als auch 2016, jedes ihrer Konzerte auszuverkaufen (nebst Headlinershows auf den größten Festivals weltweit), zuletzt erst bespielten sie die Bühne des knapp 10.000 Plätze fassenden Red Rocks Amphitheaters – gleich zwei Abende hintereinander.

Das neue Album „A Moment Apart“ präsentiert sich gereift; ein Sound, der insbesondere auf Atmosphäre setzt, auf funkelnde Synth-Lines – und auf Gefühle wie Nostalgie, Zuversicht und Hoffnung. Die namhaften Gäste auf dem Album sind u.a. Leon Bridges, Regina Spektor, und RY X. Eklektisch? Aber sicher!

Das Schlussstück des Albums, „Corners Of The Earth (feat. RY X)“, eines der beiden heute bereits veröffentlichten Vorabstücke, baut auf einer schaurigen Gesangsperformance von RY X auf, die sich durch episch-donnernde Low-EndSynthesizer kämpft, während Bläsersätze und Chöre zum Finale in ein wahrhaftes Crescendo hineinsteigern. Der Track verschmilzt so zu einem emotionalen, nahezu filmischen Höhepunkt, ganz nach der geschätzten Produktionsweise von ODESZA.

„Meridian“ ist ein weiterer ODESZA-typischer Track, der mit rhythmisch pulsierenden Drums und kraftvollen Vocals gleichermaßen die subtile Klangverschiebung des Duos hörbar macht, die man womöglich bereits der Covergestaltung abzulesen wusste, die von Harrison Mills und Michelle Gadeken besorgt wurde.

Die 16 Tracks des Albums ergeben ein Gesamtbild und erzählen eine musikalische Geschichte, welche Odesza zu erzählen wissen: diffizil, abwechslungsreich, sphärisch und auf der Reise zwischen Pop und Elektro; feingliedrig und manchmal auch kurz brachial:
Macht euch ein eigenes akustisches Bild, wir können es euch absolut...

In der Musik ist es wie im Weltgeschehen. Findet ein Systemwandel statt, lässt die Gegenrevolte meist nicht lange auf sich warten. Die Zukunft der Musik konnten in den 1980er-Jahren nur Besserverdiener gestalten. Sampling war das Zauberwort der Stunde und wer eine halbe Million Dollar lockermachen konnte, durfte mitsampeln - an inzwischen vollkommen veraltet-bräsigen Maschinen. Die Jugend, seit jeher wichtigster Impulsgeber der Popmusik, durfte keinen Trevor Horn vorweisen, weil sie sich der Produktionsmittel nicht bedienen konnte.

Während des Wechsels ins neue Jahrzehnt roch es förmlich nach Revolution in den Clubs, als DJs die Musik schnelltaktignachhaltig veränderten. Mit einfachen Mitteln: Zündende Ideen, zwei Turntables, ein mittlerweile erschwinglicher Sampler, ein Mikro und eindringliche oder originelle Stimmen. Die Hits kamen wieder aus dem Underground, von schweißgebadeten Fanatikern, die House-Beats mit eigenen kurzen-prägnanten Melodien mischten. Techno-Dance, die Jugend- und Partykultur, deren Ausläufer bis heute andauern, krempelte die Musikwahrnehmung für immer um.

Alex Christensen, DJ erster Stunde - übrigens: lange bevor es USB-Sticks gab! - war tonangebender Mitinitiator der Techno-Dance- und Eurodance-Bewegung. Er ließ erst Deutschland, dann Europa und schließlich die ganze Welt tanzen. Beinahe im Alleingang. Ritmo de la noche, der Sommerhit des Jahres 1990 stammte aus seiner Feder. Danach ging es für den selbsternannten Musikverrückten aus Hamburg Schlag auf Schlag: Die erste Goldene für Ritmo, endlos Anfragen für Produktions-Jobs, jeder Club wollte den DJ von der Elbe als Garant für volle Häuser buchen.

1991 zündete er schließlich einen Knaller ungeahnten Ausmaßes: Das Boot von U96 hielt sich geschlagene 13 Wochen auf #1 der deutschen Singles-Charts, sorgte europaweit für Furore und ebnete der Techno-Szene eigenhändig den Weg in den Mainstream. Alex Christensen wurde allgegenwärtig: BRAVO-Titelbild, Gastrollen in Hollywood-Filmen und in der Marienhof-Serie - das volle Programm. Was zunächst keiner ahnte, ist heute Gewissheit. Der Name Alex Christensen ist zu einem der wenigen beständigen Brandings der internationalen Musikszene geworden.

Die Liste seiner Credits liest sich so lang wie beeindruckend. Er arbeitete mit Udo Lindenberg, Helene Fischer, Söhne Mannheims, Tom Jones, Paul Anka, Sarah Brightman, Mark Wahlberg aka Marky Mark, er saß bei Popstars in der Jury, feierte immer wieder mit eigenen Songs Riesenerfolge (Du hast den schönsten Arsch der Welt) und blieb dabei immer einer, der sich am liebsten hinter den Kulissen verortete. Spricht man heute mit ihm, bezeichnet er sich als "Familienmensch und Musikbesessener, der es nicht sein lassen kann und sich immer wieder selbst herausfordert, neue musikalische Abenteuer auszuprobieren".

Musik fördere bei ihm geradezu kindhaften Spieltrieb, führt er weiter aus. Immer noch. Nach zigtausenden Stunden im Studio, im DJ-Booth, an Analog-Equipment, mit dem mühelos ein Truck zu füllen gewesen wäre. Man glaubt es ihm ungesehen. Seine Range, die Bandbreite an Musikspielweisen, mit denen er der Popmusik seit mittlerweile drei Jahrzehnten Impulse verleiht, ist beispiellos. Dance-Tracks, Balladen, Electronic-Exkursionen, klassische Singer-Songwriter-Projekte, lupenreiner Pop - in der Produktionsweise von Alex Christensen klingt alles, wie es klingen soll, aber nie beliebig. Das bislang außergewöhnlichste Projekt von Alex Christensen, steht nun endlich vor der Vollendung.

Mit ...

Die irisch-amerikanische Folk-Rock-Band Flogging Molly (dt.: peitschende Molly) haben am 2. Juni ihr neues Album "Life Is Good" veröffentlicht. Bekannt sind sie seit ihrer Gründung 1997 durch ihren einmaligen irischen Sound, unterstrichen von Violine, Mandoline und Akkordeon. Das neue Album ist - als Nachfolger von Speed of Darkness (2011) - das nun schon sechste Studioalbum. Nie waren soziales und politisches Bewusstsein mehr im Vordergrund. 

Auf der Platte befinden sich tolle tanzbare Nummern wie The Hand of John L. Sullivan, Welcome to Adamstown oder The Bride Wore Black. Besonders die Verbindung zu ihren Wurzeln lassen sie deutlich spüren. Sehnsuchtsvolle Nummern wie The Last Serenade (Sailors and Fishermen) oder Life Is Good sind auch vorhanden. 

Das Album entführt den Hörer in einen irischen Pub, wo sich Gott und die Welt bis spät in die Nacht bei bester Musik über Dinge austauscht, die die Leute bewegen. Denn darum geht es bei Flogging Molly, dieses Gefühl von irischer Mentalität. Die Songs peitschen nur so die gute Stimmung und Laune voran. 

Sänger Dave King:"In Irland geht man in einen Pub, um sich zu unterhalten. Genau das machen wir jeden Abend auf der Bühne: in den Pub gehen und Geschichten austauschen."

In aller erster Linie sind Flogging Molly allerdings eine noch coolere Liveband, die gerade mit den Broilers und Vollbeat auf Tour ist: 
14. Juli: Dresden - Elbufer (w. Broilers)
15. Juli: Berlin - Wuhlheide (w. Broilers)
30. Juli: Thun - Stockhorn Arena (w. Vollbeat) SCHWEIZ
1. September: Graz - Messe (w. Vollbeat) ÖSTERREICH
3. September: Schweinfurt - Willy Sachs Stadion (w. Vollbeat) 

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Album Teaser

Mit Hits wie "Waterfalls", "No Scrubs" und "Creep" sowie 65 Millionen verkauften Alben, vier Grammys, Platin- und Diamant-Auszeichnungen, zehn Top-10- und vier Nummer-1Singles gehören TLC bis heute zu den erfolgreichsten und einflussreichsten Girlgroups aller Zeiten. Das Tomboy-Trio vermengte Rap, R&B und Soul auf ganz eigene Weise, setzte modische Statements, predigte die Selbstermächtigung der Frau und legte in den 90er Jahren schon den Grundstein für die nächste Girlgroup-Generation um Beyonce Knowles und ihre Destiny's Child.

Aber nach dem Lisa "Left Eye" Lopes im Jahr 2002 sieben Monate vor der Veröffentlichung des letzten TLC-Albums "3D" bei einem Autounfall ums Leben kam, wurde es ruhig um die beiden verbliebenen Mitglieder Tionne "T-Boz" Watkins und Rozonda "Chilli" Thomas. Erst 2013 kehrten die beiden zurück auf die Bildfläche, spielten in Japan restlos ausverkaufte Konzerte und erhielten dort für ihr Lebenswerk den MTV Legend Award.

Nach anschließenden Touren in den USA und Australien meldeten TLC sich 2015 schließlich mit einem Spendenaufruf zurück. Mithilfe der Crowdfunding-Plattform Kickstarter sammelte das Duo 430.000 US-Dollar für die Produktion einer neuen Platte. Künstler wie Katy Perry, New Kids on the Block und Justin Timberlake beteiligten sich an der Aktion. Das Ergebnis: "TLC", das erste TLC-Album seit 15 Jahren!

Und gleich der erste Track gibt die Marschrichtung vor. Der Name "No Introduction" ist dabei Programm. Die Sprechchöre, die lautstark "T-L-C!" skandieren, machen deutlich: Nein, diese beiden Damen brauchen garantiert keine Vorstellung mehr. "Way Back" mit Westcoast-Rap-Legende Snoop Dogg lässt im Anschluss Erinnerungen an alte Zeiten wach werden. Ein astreiner Throwback-Track zu dessen Golden-Era-Sound T-Boz und Chilli sich an unbeschwerte Highschool-Partys und das Hören von Michael-]ackson-Alben erinnern - und gleichzeitig die Hochs und Tiefs ihrer Freundschaft zelebrieren.

Auf "TLC" geben sich T-Boz und Chilli so vielseitig wie eh und je. "Scandalous" zieht einen mit nervösen Hi-Hats, brummenden Bässen und hypnotisiernden Synthies auf den Dancefloor, während "Aye MuthaFucka" als zurückgelehnt-selbstbewusster Representer auf Blechbläserbasis daherkommt. Und wenn Left Eye sich im nach ihr benannten Interlude via archivierter Anrufbeantworteraufnahme über einen lockeren Beat zu Wort meldet, dann fühlt es sich für einen ganz kurzen Moment so an, als seien die drei wieder vereint.

Aber TLC blicken nicht nur zurück. "Haters" ist ein echter Pop-Banger.

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